На дне жанр пьесы: Анализ пьесы М. Горького «На дне»

Анализ пьесы М. Горького «На дне»

Автор: Guru · 19.07.2018

Пьеса Максима Горького «На дне» до сих пор является самой успешной драмой в коллекции его произведений. Она завоевала расположение публики еще при жизни автора, сам писатель даже описывал спектакли в других книгах, иронизируя по поводу своей славы. Так чем же это произведение так зацепило людей?

Содержание:

• 1 История создания
• 2 Смысл названия
• 3 Жанр, направление, композиция
• 4 Суть произведения
• 5 Главные герои и их характеристика
• 6 Темы
• 7 Проблемы
• 8 Смысл пьесы
• 9 Вывод
• 10 Критика

История создания

Пьеса была написана в конце 1901 – начале 1902 года. Данное произведение не было наваждением или порывом вдохновения, как это обычно случается у творческих людей. Напротив, она была написана специально для труппы актёров из Московского художественного театра, созданного для обогащения культурой всех классов общества. Горький не мог представить, что из этого получится, но воплотил желанную задумку создания пьесы о босяках, где присутствовало бы около двух десятков действующих лиц.

Судьба пьесы Горького не может быть названа окончательным и бесповоротным триумфом его творческого гения. Мнения ходили разные. Люди приходили в восторг или критиковали столь противоречивое творение. Она пережила запреты и цензуру, и до сих пор каждый понимает по-своему смысл драмы.

Смысл названия

Смысл названия пьесы «На дне» олицетворяет социальное положение всех действующих лиц произведения. Первое впечатление название даёт неоднозначное, так как нет конкретного упоминания, о каком дне идёт речь. Автор даёт возможность читателю самому проявить фантазию и догадаться, о чем его произведение.

На сегодняшний день многие литературоведы сходятся на том, что автор имел в виду то, что его герои находятся на дне жизни в социальном, финансовом и нравственном смысле. Это и есть смысл названия.

Жанр, направление, композиция

Пьеса написана в жанре, имеющем название «социально-философская драма». Автор затрагивает именно такие темы и проблемы. Его направление можно обозначить как «критический реализм», хотя некоторые исследователи настаивают на формулировке «соцреализм», так как писатель акцентировал внимание публики на социальной несправедливости и вечном конфликте между бедными и богатыми. Таким образом, его работа приняла идеологический оттенок, ведь в то время противостояние между знатью и простым народом в России только накалялось.

Композиция произведения линейная, так как все действия хронологически последовательны и образуют единую нить повествования.

Суть произведения

Суть пьесы Максима Горького заключается в изображении дна и его обитателей. Показать читателям в действующих лицах пьесы маргиналов, людей, униженных жизнью и судьбой, отвергнутых обществом и разорвавших с ним связь. Несмотря на тлеющий огонёк надежды – не имеющих будущего. Они живут, спорят о любви, честности, правде, справедливости, но их слова — лишь пустой звук для этого мира и даже для их собственных судеб.

Все происходящее в пьесе носит лишь одну цель: показать столкновение философских взглядов и позиций, а также проиллюстрировать драмы отверженных людей, которым никто не протягивает руку помощи.

Главные герои и их характеристика

Обитатели дна – люди с разными жизненными принципами и убеждениями, но всех их объединяет одно условие: они погрязли в нищете, которая постепенно лишает их достоинства, надежды и веры в себя. Она растлевает их, обрекая жертв на верную смерть.

1. Клещ – работает слесарем, 40 лет. Женат на Анне (30 лет), болеющей чахоткой. Отношения с женой являются главной характеризующей деталью. Полное безразличие Клеща к её самочувствию, нередкие побои и унижения говорят о его жестокости и черствости. После смерти Анны мужчина был вынужден продать свои рабочие инструменты, чтобы похоронить ее. И лишь отсутствие работы немного выбило его из колеи. Судьба оставляет героя без шансов выбраться из ночлежки и без перспектив дальнейшей удачной жизни.
2. Бубнов – мужчина 45-и лет. Ранее владелец меховой мастерской. Недоволен нынешней жизнью, но старается поддерживать в себе потенциал к возвращению в нормальное общество. Потерял владение из-за развода, так как документы были оформлены на жену. Живёт в ночлежке и шьет шапки.
3. Сатин – приблизительно лет 40, пьёт до потери памяти и играет в карты, где жульничает, чем зарабатывает себе на жизнь. Читал много книг, о чем постоянно напоминает не столько соседям, сколько самому себе в утешение, что ещё не все потеряно. Отсидел в тюрьме 5 лет за непреднамеренное убийство, совершенное во время драки за честь сестры. Несмотря на образованность и случайное падение, честные способы существования не признает.
4. Лука – странник в возрасте 60 лет. Появился неожиданно для жителей ночлежки. Ведёт себя интеллигентно, утешает и успокаивает всех вокруг, но, словно пришёл с определённой целью. Пытается наладить отношения со всеми, давая советы, чем разжигает ещё больше споров. Герой нейтрального характера, несмотря на его добрый тон, всегда хочется усомниться в чистоте намерений. По его рассказам можно предположить, что отбывал срок в тюрьме, но сбежал оттуда.
5. Пепел – зовут Василий, 28-ми лет. Постоянно ворует, но, несмотря на нечестный способ заработка, имеет свою философскую точку зрения, как и все. Хочет выбраться из ночлежки и начать новую жизнь. Несколько раз сидел в тюрьме. Имеет определённое положение в данном обществе за счёт тайных отношений с замужней Василисой, о которых все знают. В начале пьесы герои расстаются, и Пепел пытается ухаживать за Наташей, чтобы увезти её из ночлежки, но, в драке убивает Костылева и попадает в тюрьму под конец пьесы.
6. Настя – молодая девушка, 24 года. Исходя из обращения с ней и разговоров, можно заключить, что она работает девушкой по вызову. Постоянно хочет внимания, чтобы в ней нуждались. Имеет связь с Бароном, но, не ту, какую она придумывает в своих фантазиях после прочтения любовных романов. На деле же она терпит грубость и неуважение от ухажера, при этом, даёт ему деньги на алкоголь. Все её поведение — сплошные жалобы на жизнь и просьбы пожалеть.
7. Барон – 33 года, пьёт, но из-за неудачно сложившихся обстоятельств. Постоянно напоминает о своих дворянских корнях, которые помогли когда-то стать состоятельным чиновником, но не имели особой значимости при обвинения в растрате казенных средств, из-за чего герой попал в тюрьму, оставшись нищим. Имеет любовные отношения с Настей, но относится к ним, как к должному, переваливает все свои обязанности на девушку, постоянно берет деньги на пьянки.
8. Анна – жена Клеща, 30 лет, болеет чахоткой. В начале пьесы находится в предсмертном состоянии, но не доживает до конца. Для всех героев ночлежки является неудачным предметом «интерьера», издающим лишние звуки и занимающим место. До самой смерти надеется на проявление любви мужа, но умирает в углу от безразличия, побоев и унижений, возможно, породивших болезнь.
9. Актёр – мужчина, возраста, примерно, 40 лет. Так же, как и все жильцы ночлежки, вечно вспоминает о прошлой жизни. Добрый и справедливый человек, но чрезмерно жалеет себя. Хочет бросить пить, узнав от Луки про лечебницу для алкоголиков в каком-то городе. Начинает копить деньги, но, не успев узнать местонахождение больницы до ухода странника, герой отчаивается и кончается жизнь самоубийством.
10. Костылев – муж Василисы, 54-летний содержатель ночлежки. Воспринимает людей лишь как ходячие кошельки, любит напоминать о долгах и самоутверждаться за счёт низменности собственных жильцов. Пытается скрыть свое истинное отношение за маской доброты. Подозревает жену в измене с Пеплом, отчего постоянно прислушивается к звукам за его дверью. Считает, что ему должны быть благодарны за ночлег. С Василисой и её сестрой Наташей обращается не лучше, чем с пьяницами, живущими за его счёт. Скупает вещи, которые крадёт Пепел, но скрывает это. По собственной глупости погибает от рук Пепла в драке.
11. Василиса Карповна – жена Костылева, 26 лет. Ничем не отличается от мужа, но ненавидит его всей душой. Тайно изменяет мужу с Пеплом и подговаривает любовника на убийство супруга, обещая, что в тюрьму его не посадят. А к сестре не испытывает никаких чувств, кроме зависти и злобы, отчего достаётся ей больше всех. Ищет во всем для себя выгоду.
12. Наташа – сестра Василисы, 20 лет. Самая «чистая» душа ночлежки. Терпит издевательства со стороны Василисы и её мужа. Не может довериться Пеплу с его стремлением увезти её, зная всю подлость людей. Хотя сама понимает, что пропадёт. Помогает жильцам бескорыстно. Собирается пойти навстречу Ваське, чтобы уехать, но, попадает в больницу после гибели Костылева и пропадает без вести.
13. Квашня – 40-летняя торговка пельменями, испытавшая на себе силу мужа, который бил её на протяжении 8 лет брака. Помогает жителям ночлежки, пытается иногда привести дом в порядок. Спорит со всеми и больше не собирается выходить замуж, припоминая своего покойного супруга-тирана. В течение пьесы развиваются их отношения с Медведевым. В самом конце Квашня выходит замуж за полицейского, которого сама начинает бить из-за пристрастия к алкоголю.
14. Медведев – дядя сестер Василисы и Наташи, полицейский, 50 лет. В течение всей пьесы пытается свататься к Квашне, обещая, что не будет таким, как её бывший муж. Знает, что племянница терпит побои от старшей сестры, но не вмешивается. Знает обо всех махинациях Костылева, Василисы и Пепла. В конце пьесы женится на Квашне, начинает пьянствовать, за что жена его бьёт.
15. Алешка – сапожник 20-ти лет, пьёт. Говорит, что ему ничего не надо, что он разочарован в жизни. Пьёт от безысходности и играет на гармошке. Из-за буйства и пьянок часто попадает в полицейский участок.
16. Татарин – тоже живёт в ночлежке, работает ключником. Любит поиграть в карты с Сатиным и Бароном, но всегда возмущается их нечестной игрой. Честный человек и не понимает жуликов. Постоянно говорит о законах, чтит их. В конце пьесы Кривой Зоб бьёт его и ломает руку.
17. Кривой Зоб – ещё один малоизвестный обитатели ночлежки, ключник. Не такой честный, как Татарин. Тоже любит скоротать время за картами, спокойно относится к шулерству Сатина и Барона, находит им оправдания. Бьёт Татарина, ломает ему руку, из-за чего у него возникает конфликт с полицейским Медведевым. В конце пьесы поёт песню с остальными.

Темы

Несмотря на, казалось бы, достаточно простой сюжет и отсутствие крутых кульминационных поворотов, произведение изобилует темами, которые дают почву для размышлений.

1. Тема надежды тянется через всю пьесу до самой развязки. Она витает в настроении произведения, но ни разу никто не упоминает о своем намерении выбраться из ночлежки. Надежда присутствует в каждом диалоге обитателей, но лишь косвенно. Как когда-то каждый из них попал на дно, так когда-нибудь они и мечтают оттуда выбраться. В каждом теплится маленькая возможность снова вернуться к прошлой жизни, где каждый был счастлив, хоть и не ценил этого.
2. Тема судьбы также является немало важной в пьесе. Она определяет роль злого рока и его значение для героев. Судьба может быть в произведении той движущей силой, которую нельзя было изменить, что свела всех обитателей вместе. Или тем обстоятельством, всегда подверженным измене, которое нужно было преодолеть, чтобы суметь достичь больших успехов. По жизни обитателей можно понять, что они приняли свою судьбу и пытаются изменить её лишь в противоположную сторону, считая, что падать ниже им некуда. Если же кто-то из жильцов пытается предпринять попытку изменить свое положение и выбраться со дна – претерпевает крах. Возможно, автор хотел показать таким образом, что они заслужили такую участь.
3. Тема смысла жизни выглядит достаточно поверхностно в пьесе, но, если вдуматься, то можно понять причину такого отношения к жизни героев лачуги. Каждый считает нынешнее положение дел – дном, из которого не выбраться никуда: ни вниз, ни, тем более, наверх. Герои, несмотря на разные возрастные категории, разочарованы в жизни. Они потеряли к ней интерес, и перестали видеть какой-либо смысл в собственном существовании, что уж говорить о сочувствии друг к другу. Они не стремятся к другой участи, потому что не представляют её. Лишь алкоголь иногда придаёт существованию краски, отчего ночлежники любят выпить.
4. Тема правды и лжи в пьесе является основной задумкой автора. Данная тема является философским вопросом в произведении Горького, о котором он размышляет устами героев. Если говорить о правде в диалогах, то, её границы стираются, ибо порой герои говорят несуразные вещи. Тем не менее, в их словах скрываются секреты и тайны, раскрываемые нам по ходу сюжета произведения. Автор поднимает данную тему в пьесе, так как рассматривает истину как способ спасения обитателей. Показать героям реальное положение дел, открыв глаза на мир и на их собственную жизнь, которую они теряют каждый день в хижине? Или скрывать правду под масками лжи, притворства, потому что им так легче? Ответ каждый выбирает самостоятельно, но автор дает понять, что ему по душе первый вариант.
5. Тема любви и чувств затрагивает в произведении, поскольку даёт возможность понять взаимоотношения обитателей. Любовь в ночлежке, даже между супругами, абсолютно отсутствует, да и вряд ли имеет возможность там появиться. Само место словно пропитано ненавистью. Всех соединила лишь общая жилплощадь и чувство несправедливости судьбы. В воздухе витает равнодушие, как к здоровым, так и к больным людям. Лишь перебранки, словно грызутся собаки, веселят ночлежников. Вместе с интересом к жизни потеряны краски эмоций и чувства.

Проблемы

В пьесе богатая проблематика. Максим Горький попытался в одном произведении указать актуальные, на то время, нравственные проблемы, которые, впрочем, существуют и по сей день.

1. Первой проблемой является конфликт между обитателями ночлежки, причем не только друг с другом, но и с жизнью. По диалогам между героями можно понять их взаимоотношения. Постоянные ссоры, расхождение во мнениях, элементарные долги приводят к вечным перепалкам, что является ошибкой в данном случае. Ночлежникам нужно научиться жить над одной крышей в гармонии. Взаимопомощь облегчит быт, изменит общую атмосферу. Проблема общественного конфликта заключается в разрушении любого социума. Бедняки объединены общей проблемой, но, вместо её решения, они создают новые общими усилиями. Конфликт с жизнью заключается в отсутствии адекватного ее восприятия. Бывшие люди обижены на жизнь, из-за чего не предпринимают дальнейшие шаги к созданию другого будущего и просто плывут по течению.
2. Другой проблемой можно выделить острый вопрос: «Истина или сострадание?». Автор создает повод для размышления: показать героям реалии жизни или посочувствовать такой судьбе? В драме кто-то страдает от физического или психологического насилия, а кто-то умирает в муках, но получает свою долю сострадания, и это уменьшает его мучения. У каждого человека свой взгляд на происходящую ситуацию, и реагируем мы исходя из своих ощущений. Писатель в монологе Сатина и исчезновении странника четко дал понять, на чьей он стороне. Лука выступает в роли антагониста Горького, пытаясь вернуть обитателей к жизни, показать истину и утешить страдающих.
3. Также в пьесе поднимается проблема гуманизма. Точнее, его отсутствия. Возвращаясь снова к отношениям между обитателями, и их отношению к самим себе, — можно рассмотреть данную проблему с двух позиций. Отсутствие гуманизма со стороны героев друг к другу можно увидеть в ситуации с умирающей Анной, на которую никто не обращает внимания. Во время издевательства Василисы над сестрой Наташей, унижения Насти. Появляется мнение, что, если люди оказались на дне, значит, более никакая помощь им не нужна, каждый сам за себя. Эта жестокость к самим себе обуславливается их нынешним образом жизни – постоянные пьянки, драки, несущие в себе разочарование и потерю смысла в жизни. Существование перестаёт являться высшей ценностью, когда цели к ней нет.
4. Проблема безнравственности поднимается в связи с образом жизни, который жители ведут исходя из социального расположения. Работа Насти девушкой по вызову, игры в карты на деньги, употребление алкоголя с вытекающими последствиями в виде драк и приводов в полицию, воровство – все это последствия нищеты. Автор показывает данное поведение как типичное явление для людей, оказавшихся на дне социума.

Смысл пьесы

Идея пьесы Горького заключается в том, что все люди абсолютно одинаковы вне зависимости от их социального и материального положения. Все состоят из плоти и крови, отличия заключаются лишь в воспитании и характере, которые дают нам возможность по-разному реагировать на сложившиеся ситуации и действовать, исходя из них. Кем бы ты ни был, жизнь может измениться в один момент. Любой из нас, потеряв все, что имел в прошлом, опустившись на дно, — потеряет себя. Больше не будет смысла удерживать себя в рамках приличия общества, подобающе выглядеть и вести себя соответствующе. Когда человек теряет ценности, установленные окружающими, он сбивается с толку и выпадает из реальности, как произошло с героями.

Главная мысль заключается в том, что жизнь может сломать любого человека. Сделать его равнодушным, ожесточённым, потерявшим какой-либо стимул к существованию. Безусловно, во многих его бедах будет виновно равнодушное общество, которое только подтолкнет падающего. Однако сломленные бедняки зачастую сами виноваты в том, что не могут подняться, ведь в их лени, порочности и безучастности ко всему сложно еще найти виноватых.

Авторская позиция Горького выражается в монологе Сатина, который разлетелся на афоризмы. «Человек – звучит гордо!» — восклицает он. Писатель хочет показать, как надо относиться к людям, чтобы воззвать к их достоинству и силе. Бесконечное сожаление без конкретных практических шагов только навредит бедняку, ведь он так и будет жалеть себя, а не работать, дабы выйти из порочного круга нищеты. Это и есть философский смысл драмы. В споре об истинном и ложном гуманизме в обществе побеждает тот, что говорит прямо и честно, даже рискуя навлечь на себя негодование. Горький в одном из монологов Сатина связывает правду и ложь со свободой человека. Независимость дается лишь ценой постижения и поиска истины.

Вывод

Каждый читатель вынесет для себя свой определенный вывод. Пьеса «На дне» может помочь человеку понять, что в жизни стоит всегда к чему-то стремиться, потому что это дает силы идти дальше, не оглядываясь назад. Не останавливаться с мыслями, что ничего не получится.

На примере всех героев можно увидеть абсолютное бездействие и незаинтересованность в собственной судьбе. Вне зависимости от возраста и пола, они просто погрязли в своем нынешнем положении, отговариваясь тем, что поздно сопротивляться и начинать все заново. Человек должен сам иметь желание изменить свое будущее, и при любой неудаче не винить жизнь, не обижаться на нее, а набираться опыта, переживая проблему. Обитатели ночлежки считают, что на них внезапно, за их страдания в подвале, должно свалиться чудо, которое принесет им новую жизнь, как и происходит – к ним является Лука, желающий приободрить всех отчаявшихся, помочь советом, чтобы сделать жизнь лучше. Но, они забыли, что словом не помочь упавшему, он протянул им руку, только ее никто не взял. А все лишь и ждут действия от кого угодно, но не от себя самих.

Критика

Нельзя сказать, что до появления на свет своей легендарной пьесы, Горький не имел какой-либо популярности в обществе. Но, можно подчеркнуть, что интерес к нему усилился именно из-за этого произведения.

Горький сумел показать бытовые, обыденные вещи, окружающие грязных, необразованных людей под новым углом. Он знал, о чем пишет, так как сам имел опыт в достижении своего положения в обществе, он ведь был выходцем из простонародья и сиротой. Нет точного объяснения, почему именно произведения Максима Горького имели такую популярность и произвели настолько сильное впечатление на публику, ибо он не был новатором какого-то жанра, писав обо всем известных вещах. Но творчество Горького в то время было модным, обществу нравилось читать его произведения, посещать театральные постановки по его творениям. Можно предположить, что градус социального накала в России поднимался, и многие были недовольны устоявшимся порядком в стране. Монархия себя исчерпала, а народные акции последующих лет были жестко подавлены, и поэтому многие люди с удовольствием искали минусы в существующей системе, как бы подкрепляя собственные выводы.

Особенности пьесы заключаются в способе изложения и подаче характеров персонажей, в гармоничном употреблении описаний. Одной из затронутых проблем в произведении является индивидуальность каждого героя и его борьба за неё. Художественные тропы и стилистические фигуры очень точно изображают условия обитания действующих лиц, ведь автор видел все эти детали лично.

Автор: Алёна Ласькова

Интересно? Сохрани у себя на стенке!

Читайте также:

Adblock
detector

Жанровое своеобразие пьесы «На дне» Горького М.Ю.

Я связь миров, повсюду сущих,
Я крайня степень вещества;
Я средоточие живущих,
Черта начальна божества;
Я телом в прахе истлеваю,
Умом громам повелеваю.
Я царь — я раб — я червь — я бог!
Г. Р.Державин

По жанру пьеса «На дне» (1902) — драма, при этом её жанровое своеобразие проявилось в тесном переплетении социального и философского содержания.

В пьесе изображается жизнь «бывших людей» (босяков, воров, бродяг и т.п.), и это является темой социального содержания данного произведения. Горький начинает пьесу с того, что в первой ремарке даёт описание ночлежки: «Подвал, похожий на пещеру. Потолок — тяжёлые, каменные своды, закопчённые, с обвалившейся штукатуркой. Одно окно под потолком» (I). И в этих условиях живут люди! Драматург подробно показывает разных ночлежников из заведения Костылёва. Основные герои в пьесе имеют короткую биографию, по которой можно судить, что за люди попали на «дно» жизни. Это бывшие уголовники, отсидевшие разные сроки в тюрьме (Сатин, Барон), запойные пьяницы (Актёр, Бубнов), мелкий вор (Пепел), разорившийся ремесленник (Клещ), девица лёгкого поведения (Настя) и т.п. Стало быть, все ночлежники — люди определённого сорта, их принято называть «отбросы общества».

Описывая «бывших людей», Горький показывает, что у них нет никакой возможности подняться со «дна». Особенно ярко эта идея раскрывается в образе Клеща. Он — мастеровой, хороший слесарь, однако вместе с больной женой оказался в ночлежке. Клеш объясняет катастрофический поворот в своей судьбе тем, что он разорился из-за болезни Анны, которую, между прочим, сам довёл побоями до болезни. Он гордо и решительно заявляет ночлежникам, что они ему не товарищи: они бездельники и пьяницы, а он честный труженик. Обращаясь к Пеплу, Клещ говорит: «Ты думаешь — я не вырвусь отсюда? Вылезу…» (I). Клещу так и не удаётся исполнить свою заветную мечту: формально потому, что для похорон Анны нужны деньги, и он продаёт свои слесарные инструменты; по сути потому, что Клещ хочет благополучия только для себя. В последнем действии пьесы он обитает всё в той же ночлежке. Он уже не думает о достойной жизни и вместе с другими босяками бездельничает, пьёт, играет в карты, совершенно смирившись со своей участью. Так Горький показывает безысходность жизни, отчаянное положение людей на «дне».

Социальная идея пьесы заключается в том, что люди на «дне» живут в нечеловеческих условиях, а общество, которое допускает существование таких ночлежек, несправедливо и негуманно. Таким образом, в пьесе Горького выражен упрёк современному государственному устройству России. Драматург, понимая, что в своём бедственном положении ночлежники во многом виноваты сами, всё-таки сочувствует им и не делает из «бывших людей» отрицательных героев.

Однозначно отрицательными персонажами у Горького являются только хозяева ночлежки. Костылёву, конечно, далеко до настоящих «хозяев жизни», но и этот «хозяйчик» — беспощадный кровосос, который не стесняется «накинуть денежку» (I), то есть повысить плату за проживание в ночлежке. Денежка, как он сам объясняет, нужна ему, чтобы купить лампадного маслица, и тогда перед его иконами лампада будет неугасимой. При своей набожности Костылёв не стесняется обижать Наташу, попрекая её куском хлеба. Под стать хозяину ночлежки его жена Василиса, порочная и злобная женщина. Чувствуя, что любовник Васька Пепел охладел к её прелестям и влюбился в Наташу, она решает разом отомстить и ненавистному мужу, и изменнику Ваське, и счастливой сопернице-сестре. Василиса подговаривает любовника убить мужа, обещая за это и деньги, и согласие на брак с Натальей, но Пепел быстро понимает хитрость надоедливой любовницы. И Костылёв, и Василиса, как их изображает Горький, — лицемеры, готовые ради выгоды переступить любые нравственные и юридические законы. Социальный конфликт в пьесе завязывается как раз между постояльцами и хозяевами ночлежки. Правда, Горький не заостряет этот конфликт, так как ночлежники совершенно смирились со своей участью.

В пьесе представлены герои отчаявшиеся, раздавленные жизненными обстоятельствами. Можно ли им помочь? Как их поддержать? Что им нужно — сочувствие-утешение или правда? И какая правда? Так в пьесе «На дне» в связи с социальным содержанием возникает философская тема о правде и лжи-утешении, которая начинает активно разворачиваться во втором действии, после появления в ночлежке странника Луки. Этот старик совершенно бескорыстно помогает советами ночлежникам, но не всем подряд. Он, например, не стремится утешать Сатина, потому что понимает: этот человек не нуждается ни в чьём сочувствии. Нет душеспасительных разговоров у Луки с Бароном, так как Барон — глупый и пустой человек, тратить на него душевные силы бесполезно. Давая советы, старик не смущается, когда одни герои принимают его сочувствие с благодарностью (Анна, Актёр), а другие — со снисходительной иронией (Пепел, Бубнов, Клещ).

Однако реально получается, что Лука своими утешениями помогает только умирающей Анне, успокаивая её перед смертью. Остальным героям его бесхитростная доброта и утешение помочь не могут. Лука рассказывает Актёру о больнице для алкоголиков, в которой бесплатно лечат всех. Он поманил безвольного пьяницу красивой мечтой о быстром излечении, только это он и мог сделать, а Актёр повесился. Подслушав разговор Пепла с Василисой, старик пытается отговорить парня от покушения на жизнь Костылёва. Василий, по мнению Луки, должен вырвать Наташу из семьи Костылёвых и уехать с ней в Сибирь, а там начать новую, честную жизнь, о которой мечтает. Но добрые советы Луки не могут остановить трагических событий: Василий случайно, но всё-таки убивает Костылёва, после того как Василиса из ревности жестоко калечит Наталью.

В пьесе практически каждый герой высказывает своё мнение по поводу философской проблемы о правде и лжи-утешении. Приведя Актёра к самоубийству, а историю любви Васьки Пепла к трагическому финалу, Горький видимо выражает своё отрицательное отношение к утешительству Луки. Однако в пьесе философская позиция старика подкрепляется серьёзными аргументами: Лука, видя во время странствий только нищету и горе простого народа, вообще разуверился в правде. Он рассказывает жизненный случай, когда правда доводит человека, верившего в праведную землю, до самоубийства (III). Правда, как считает Лука, — это то, что тебе нравится, что ты считаешь правильным и справедливым. Например, на каверзный вопрос Пепла, есть ли Бог, старик отвечает: «Если веришь — есть, не веришь — нет… Во что веришь, то и есть…» (II). Когда Настя рассказывает в очередной раз о своей прекрасной любви и никто из ночлежников ей не верит, она со слезами в голосе кричит: «Не хочу больше! Не буду говорить. .. Коли они не верят… коли смеются…». Но Лука успокаивает её: «…ничего… не сердись! Я — знаю… Я — верю. Твоя правда, а не ихняя… Коли ты веришь, была у тебя настоящая любовь… значит — была она! Была!» (III).

Бубнов тоже рассуждает о правде: «А я вот… не умею врать! Зачем? По-моему — вали всю правду, как она есть! Чего стесняться?» (III). Такая правда не помогает человеку жить, а только давит и унижает его. Убедительной иллюстрацией подобной правды является маленький эпизод, который выясняется из разговора Квашни и сапожника Алёшки в конце четвёртого действия. Квашня под горячую руку бьёт своего сожителя — бывшего полицейского будочника Медведева. Делает она это легко, особенно потому что никогда, наверное, не получает сдачи: ведь Медведев любит её и, кроме того, боится, что она прогонит его, если он будет вести себя, как её первый муж. Алёшка «для смеху» сообщил всей округе правду о том, как Квашня «за волосы таскала» своего сожителя. Теперь над солидным Медведевым, бывшим городовым, потешаются все знакомые, а ему такая «слава» обидна, он от стыда «пить начал» (IV). Вот результат правды, которую проповедует Бубнов.

Поднимая проблему правды и лжи-утешения, Горький, конечно, хотел высказать и собственное мнение по этому философскому вопросу. Принято считать, что авторскую точку зрения озвучивает Сатин, как самый подходящий для этой роли герой пьесы. Здесь имеется в виду знаменитый монолог о Человеке из последнего действия: «Что такое правда? Человек — вот правда! (…) Надо уважать человека! Не жалеть … не унижать его жалостью … уважать надо! (…) Ложь — религия рабов и хозяев… Правда — бог свободного человека!» (IV). Это высокая правда, которая поддерживает человека, воодушевляет его в борьбе с жизненными препятствиями. Именно такая правда, по Горькому, нужна людям. Иными словами, в монологе Сатина о Человеке выражена идея философского содержания пьесы.

Сам драматург не определил жанр своего произведения, а просто назвал «На дне» пьесой. Куда же следует отнести эту пьесу — к комедии, драме или трагедии? Драма, как и комедия, показывает частную жизнь героев, но, в отличие от комедии, не высмеивает нравы героев, а ставит их в конфликтные отношения с окружающей жизнью. Драма, как и трагедия, изображает острые социальные или нравственные противоречия, но, в отличие от трагедии, избегает показывать исключительных героев. В пьесе «На дне» Горький ничего не высмеивает; наоборот, в финале погибает Актёр. Однако Актёр совсем не похож на трагического героя, который готов утверждать свои идейные убеждения и нравственные принципы даже ценой собственной жизни (как Катерина Кабанова из пьесы А.Н.Островского «Гроза»): причина смерти горьковского персонажа — слабость характера и неспособность противостоять жизненным трудностям. Следовательно, по жанровым признакам пьеса «На дне» — драма.

Подводя итог вышесказанному, можно отметить, что драма «На дне» является замечательным художественным произведением, где ставятся-переплетаются две проблемы — проблема социальной справедливости в современном автору российском обществе и «вечная» философская проблема о правде и лжи-утешении. Убедительность горьковского решения этих проблем можно объяснить тем, что драматург не даёт однозначного ответа на поставленные вопросы.

С одной стороны, автор показывает, как трудно подняться со «дна» общества. История Клеща подтверждает, что надо менять социальные условия, которые породили ночлежку; только все вместе, а не в одиночку бедняки могут добиться достойной жизни. Но, с другой стороны, ночлежники, развращённые безделием и попрошайничеством, сами не желают трудиться, чтобы выбраться из ночлежки. Мало того, Сатин и Барон даже прославляют безделие и анархизм.

Горький, по его собственному признанию, задумал разоблачить в драме «На дне» идею прекраснодушной, убаюкивающей лжи-утешения и Луку, главного пропагандиста идеи утешения. Но образ необыкновенного странника в пьесе вышел очень сложным и, вопреки замыслу автора, очень привлекательным. Словом, однозначного разоблачения Луки не получилось, о чём писал сам Горький в статье «О пьесах» (1933). Ещё совсем недавно фраза Сатина (надо не жалеть человека, а уважать) понималась буквально: жалость унижает человека. Но современное общество, кажется, отходит от подобных прямолинейных суждений и признаёт не только правду Сатина, но и правду Луки: слабых, беззащитных людей можно и даже нужно жалеть, то есть сочувствовать и помогать им. В таком отношении для человека нет ничего позорного и оскорбительного.

Драма в двадцатом веке

Тенденции

Реализм и миф

Поэтический реализм

ЖЕНЩИНЫ

Политический театр и война

Типы современной драмы

Реализм

Социальный реализм

Avant Garde Theatre

Social Realism

Avant Garde Theatre

Avant Garde Theatre

ABSURDIST.

Дадаизм

Символизм/эстетизм

Сюрреализм

Экспрессионизм

Эпический театр

Физические достижения

Архитектура

SET

Освещение

Администрации на континенте и их влияние на британскую драму

Британские драматурги в двадцатом веке

Ссылки

Авторы

Британская драма

33333

Нажмите на картинку, чтобы увидеть оригинал

“ Стремление выбить из колеи, шокировать, даже оттолкнуть публику стало со временем отличительной чертой современной драматургии ». (Greenblatt 5)

Предыстория

Считается, что британский театр двадцатого века зародился в Дублине, Ирландия, с основания Ирландского литературного театра Уильямом Б. Йейтсом, леди Грегори и Дж. М. Синджем. (Гринблатт, 1843 г.) Их цель состояла в том, чтобы предоставить специально кельтскую и ирландскую площадку, на которой производились произведения, «показывающие [d] более глубокие эмоции Ирландии». (Аббатство) Драматурги Ирландского литературного театра (который позже стал Театром аббатства, как он известен сегодня) были частью литературного возрождения и включали: Шона О’Кейси, Дж. М. Синга, У. Б. Йейтс, леди Грегори и Эдвард Мартин, и это лишь некоторые из них. В Англии жанр хорошо поставленной пьесы отвергался и заменялся актерами и режиссерами, которые стремились принести в театр как реформу, так и серьезную аудиторию, обращаясь к более молодой, социально сознательной и политически бдительной толпе. В пьесах Джорджа Бернарда Шоу, Харли Грэнвилла Баркера, У. Сомерсета Моэма и Джона Голсуорси персонажи подражали этой новой толпе, высмеивали хорошо сделанных игровых персонажей и создавали новые стереотипы и новые стандарты. (Чотия)

Начало двадцатого века ознаменовалось расколом между драмой «платья и оборки» и серьезными произведениями, следуя по стопам многих других европейских стран. «В Великобритании влияние этих континентальных инноваций было отложено консервативным театральным истеблишментом до конца 1950-х и 1960-х годов, когда они сошлись с контркультурной революцией, чтобы изменить природу англоязычного театра». Уэст-Энд, английский Бродвей, как правило, ставил музыкальные комедии (Гринблатт, 1844 г.) и хорошо поставленные пьесы, в то время как небольшие театры и ирландские площадки выбрали новое направление. Новое направление было политическим, сатирическим и бунтарским. Общими темами в новой драме начала 20-го века были политические, отражающие беспокойство или восстание рабочих против государства, философские, вникающие в то, кто и почему в человеческой жизни и существовании, и революционные, исследующие темы колонизации и утраты территории. . Они исследовали общие методы ведения бизнеса в обществе (условия работы на фабриках), новые политические идеологии (социализм) или рост угнетенной части населения (женщины). отчуждение людей во все более механическом мире. Индустриализация привела не только к отчуждению; как и войны. В период между войнами господствовали два типа театра. В Вест-Энде средний класс посещал популярный консервативный театр, в котором доминировали Ноэль Кауард и Г.Б. Шоу. «Коммерческий театр процветал, и в крупнобюджетных мюзиклах на Друри-Лейн Айвора Новелло и Ноэля Кауарда использовались огромные декорации, экстравагантные костюмы и большой актерский состав для создания зрелищных постановок». (Вест-Энд) После войн табу были нарушены, и появились новые писатели, режиссеры и актеры с иными взглядами. Многие играли с идеей реальности, некоторые были радикально политическими, другие избегали натурализма и ставили под сомнение законность ранее неопровержимых убеждений. (Чотия) К концу века термин «театр изгнания нечистой силы» вошел в обиход из-за количества пьес, вызывающих в воображении прошлое, чтобы противостоять ему и принять его. Драматурги конца века входят в их число: Сэмюэл Беккет, Гарольд Пинтер, Эндрю Ллойд Уэббер, Брайан Фрил, Кэрил Черчилль и Том Стоппард. Последним актом века стал поворот к реализму, а также основание первого в Европе детского культурного центра.

Чтобы посмотреть разбивку по годам с 1895 по 1937 год, нажмите здесь.

Реализм и миф

Зигмунд Фрейд пробудил интерес к мифам и снам, когда драматурги познакомились с его исследованиями психоанализа. Вместе с Карлом Юнгом эти два психиатра повлияли на драматургов, чтобы они включили мифы в свои пьесы. Эта интеграция предоставила драматургам новые возможности расширить границы реализма в своих произведениях. Когда драматурги начали использовать мифы в своих произведениях, была создана «поэтическая форма реализма». Эта форма реализма имеет дело с истинами, широко распространенными среди всех людей, подкрепленными идеей Карла Юнга о коллективном бессознательном.

Поэтический реализм

Большая часть поэтического реализма, написанного в начале двадцатого века, была сосредоточена на изображении ирландской крестьянской жизни. Джон Миллингтон Синдж, У.Б. Йейтс и леди Грегори были лишь немногими писателями, использовавшими поэтический реализм. Их изображение крестьянской жизни часто было непривлекательным, и многие зрители реагировали жестоко. Во многих поэтически реалистических пьесах часто проходят неприятные темы, такие как похоть между сыном и его мачехой или убийство младенца, чтобы «доказать» любовь. В этих пьесах мифы использовались как суррогат реальной жизни, чтобы позволить зрителям прожить неприятный сюжет, не подключаясь к нему полностью.

Женщины

Женские персонажи превратились из забитых, бесполезных женщин в сильных, эмансипированных женщин. Они привыкли задавать подрывные вопросы об общественном устройстве. Многие женские персонажи изображают мужское отношение автора к женщинам и их месту в обществе. Однако со временем женщины начали обретать силу. Г.Б. Шоу стал одним из первых английских драматургов, которые последовали влиянию Ибсена и создали роли реальных женщин. У миссис Уоррен, майора Барбары и Пигмалиона сильные женские роли. Женщины впервые начали голосовать в 1918. Позже в том же столетии женщины (и мужчины) подвергались отчуждению общества, и им обычно не давали имен, чтобы показать зрителям ценность персонажа в пьесе.

Политический театр и война

Политический театр использует театр, чтобы показать, «как социальный или политический порядок использует свою власть для принудительного «представления» других». Он использует живые выступления и часто демонстрирует силу политики через «унизительные и ограничивающие» предрассудки. Политический театр часто представляет множество различных типов групп, которые часто стереотипны: «женщины, геи, лесбиянки, этнические и расовые группы, [и] бедняки». Политический театр используется для выражения своих политических идей. Агитпроп, популярная форма политического театра, берет свое начало еще в XIX веке.Движение за права женщин 30-х годов. Пропаганда играла большую роль в политическом театре, будь то поддержка войны или противодействие политическим замыслам, театр играл большую роль во влиянии на публику.
Войны затронули и театр начала ХХ века. Ужас перед Первой мировой войной породил движение Дада, предшественника сюрреализма и экспрессионизма.

Реализм

Реализм в театре должен был быть непосредственным наблюдением за человеческим поведением. Это началось как способ сделать театр более полезным для общества, как способ держать зеркало перед обществом. Из-за этой тяги к «настоящим» драматурги стали использовать более современные декорации, фоны и персонажей. Если раньше в пьесах по большей части использовались мифологические или стереотипные персонажи, то теперь в них участвовали низшие классы, бедняки, богатые; в них участвовали представители всех полов, классов и рас. Одним из главных создателей этого стиля был Генрик Ибсен.

Социальный реализм

Социальный реализм начал появляться в пьесах в 1930-х годах. За этим реализмом стояла политическая совесть, потому что мир был в депрессии. Эти пьесы рисовали суровую картину сельской бедности. Драма начала стремиться показать правительствам наказания за безудержный капитализм и депрессии, вызванные слабой экономикой. Одним из главных сторонников этого стиля был Г.Б. Шоу.

Театр «Авангард»

«Драматическая правда не в осязаемости реалистической драмы, а в символах, образах, легендах, мифах, фантазиях и снах» (Клаус)

Драма абсурда

Драма абсурда была экзистенциалистским театром, который ставил непосредственное восприятие способа бытия выше всех абстрактных соображений. Это был также по существу поэтический, лирический театр для выражения интуиции бытия через движение, ситуации и конкретные образы. Язык вообще был преуменьшен. (Барнет) В эту категорию попадают символизм, дадаизм и их потомки, сюрреализм, театр жестокости и экспрессионизм.

Дадаизм

Дадаизм, или дадаизм, был реакцией против Первой мировой войны. Как и многие движения, дадаизм включал в себя письмо, живопись и поэзию, а также театр. Многие дадаисты писали манифесты с подробным изложением своих убеждений, в которых обычно выражалось их отвращение к колониализму и национализму и пытались противоречить современной эстетике и ценностям. Чем больше Дада обижается, тем лучше. Это считалось (дадаистами) «антиискусством». Оно отвергало ценности общества и переворачивало все с ног на голову, предпочитая вызывать отвращение и оскорблять.

Символизм/эстетизм

В Англии символизм также известен как эстетизм. Очень стилизованный формат драмы, в котором сны и фантазии были обычными сюжетными приемами, эстетизм использовался многими драматургами от Йейтса до Пинтера. Постановка была сильно стилизована, обычно с использованием минимальных декораций и расплывчатых блокировок. Хотя драматурги, которых можно было считать эстетистами, жили и работали в начале века, это повлияло на все последующие стили.

Сюрреализм

Как и эстетизм, сюрреализм основан на мистическом. Он развил телесность театра и преуменьшил значение слов, надеясь повлиять на аудиторию посредством действия. Другими общими характеристиками сюрреалистических пьес являются неожиданные сравнения и удивление. Самым известным британским драматургом в сюрреалистическом стиле 20-х годов является Сэмюэл Беккет. Театр Жестокости является разновидностью сюрреализма и был вдохновлен идеей Антонена Арто. Он утверждает идею о том, что театр является «репрезентативной средой», и пытается донести до аудитории текущие идеи и опыт посредством участия и «ритуалистических театральных экспериментов». Арто считал, что театр должен представлять и представлять в равной степени. Этот тип театра глубоко полагается на метафоры и редко включает описание того, как это можно было бы исполнить.

Экспрессионизм

Термин «экспрессионизм» впервые был придуман в Германии в 1911 году. (Михаэлидес) Расцвет экспрессионизма пришелся на 20-е годы, хотя он имел две отдельные ветви. На ветвях были персонажи, говорящие короткими прямыми предложениями или длинными лирическими просторами. Этот тип театра обычно не называл персонажей и тратил много времени на то, чтобы оплакивать настоящее и предостерегать от будущего. Духовные пробуждения и эпизодические структуры также были довольно распространены.

Эпический театр

Эпический театр был создан Бертольдом Брехтом, который отверг реалистический театр. Он обнаружил, что такие пьесы слишком идеальны. Эпический театр основан на греческой эпической поэзии. Существуют драматические иллюзии, такие как «яркое, резкое освещение, пустые сцены, плакаты, объявляющие о смене сцен, оркестры, играющие музыку на сцене, и длинные неприятные паузы» (Якобус). Брехт считал, что драма должна создаваться для своей аудитории, и он думал, что драма Epic Theater укрепит реальности, с которыми люди сталкиваются, а не бросит им вызов. Epic Theater помогли сохранить социальные проблемы, которые они изображали.

Чтобы услышать, как Мейнард Мак из Йельского университета описывает некоторые различия между шекспировским театром «Глобус» и современным театром, нажмите ЗДЕСЬ .

Цилиндрический театр «Глобус»

Архитектура

В конце девятнадцатого, начале двадцатого века театральная архитектура изменилась от размещения как можно большего числа зрителей без учета их потребностей к созданию лучших акустических, визуальных и пространственных условий как для актеров, так и для зрителей. Если раньше театры имели цилиндрическую форму, то в двадцатом веке предпочтение отдавалось веерообразным зрительным залам. Зрителям они понравились из-за

Театр Оливье в форме веера

четкие линии обзора и благоприятная акустика, и они понравились актерам, потому что естественный стиль игры, который становился все более популярным, подходил для небольших площадок. (Клаус)

Возобновился интерес к более ранним формам постановки, таким как толчок и арена (театр в кругу). Театр, к которому привыкло большинство зрителей, похож на театр Оливье на фото. У всех в основном одинаковый вид на сцену, а сама сцена видна через арку авансцены, которая действует как рамка изображения, окружающая сцену и обрамляющая пьесу. Арка авансцены может быть чем угодно: от позолоченного, ярко освещенного шедевра, окружающего занавес в начале спектакля, до простых черных стен, мешающих заглянуть в кулисы театра. В театре авансцены действие происходит либо за авансценой, либо немного перед ней, на так называемом авансцене. (Пьеса, ближайшая к зрителю и которую занавес обычно не скрывает.) В театре тяги действие происходит почти полностью перед «аркой авансцены», если она вообще есть. Зрители сидят с трех сторон сцены, и во многих театрах такого типа широко используются входы и выходы через коридоры через аудиторию. Сцена арены имеет места для зрителей со всех четырех сторон и четыре входа/выхода, называемых вомиториями. (от латинского vomitorium, означающего (обычно): [аудитория] изрыгает из них). В современной американской культуре этапы арены (и вомитория) чаще всего используются как спортивные арены.

Found Space — еще одна переработанная театральная условность. Термин «найденное пространство» относится к улицам, личным домам, продуктовым магазинам и любым другим местам, которые специально не обозначены как театр.

Набор

Декорации в театре — это фон, на котором рассказывается история. Это может быть что угодно, от очень подробного бокс-сета (поясняется ниже) до абсолютно ничего. Набор может быть физическими платформами и стенами или проекциями на листы.

Бокс-сет, или три стены, выполненные в виде внутреннего убранства дома, с дверями, окнами и мебелью, занимали видное место в большинстве, если не во всех, пьесах, поставленных в современной реалистической традиции в начале XX в. 20 век. (Клаус)

Освещение

До изобретения электрической лампочки в 1879 году в театрах использовались газовые или угольные дуговые лампы. И газовые, и угольные дуговые лампы были

1990 Пример световой панели

склонны к возгоранию. Многочисленные театры перешли на угольную дуговую лампу в 1840-х годах, но, поскольку концепция дуговой лампы заключается в том, чтобы подавать напряжение через открытый воздух, вероятность возгорания все еще оставалась высокой. Savoy в Лондоне был первым общественным зданием, которое полностью работало на электричестве. В 1882 году, через год после открытия «Савойи», на Мюнхенской выставке был представлен электрифицированный театр, что положило начало общему переходу на театры с электрическим освещением. Существующие театры, в которых уже были газовые линии, переделали их, пропустив провода через старые газовые линии и вставив ряд лампочек перед газовыми форсунками.

К сожалению, у электричества было немало недостатков. Художники по декорациям или сценографы (художник по декорациям/художник по костюмам)

Оригинальный диммер Colonial, фото предоставлено K Bilotti

не адаптировались к новой среде, создавая наборы, которые не подходили для размещения электрического освещения. Вторым недостатком было то, что само электричество было очень опасным, а электриков было трудно найти. Это может быть не так опасно, как газ, но все же есть вероятность возгорания. Передние панели, также известные как панели управления (см. выше), были под напряжением, с ручками, которые могли находиться в положении «включено» или «выключено». Положение «включено» не имело никакой защиты, и если оператор не был осторожен, он или она могли умереть. На фото слева технологии достаточно продвинулись для взрывателей. Третий недостаток электричества заключался в том, что оно требовало много энергии. Театрам часто приходилось владеть генераторами, питающими их театры.

Гордон Крейг, британский актер, режиссер, продюсер и сценограф, внес неоценимый вклад в освещение. Вместо того, чтобы размещать большую часть своих светильников у подножия сцены (известных как рампы или поплавки), он повесил осветительные приборы над сценой. Он вместе с Адольфом Аппиа из Швейцарии также осознал драматический потенциал освещения, играя с цветом и формой. Аппиа также установил первые цели сценического освещения в своих книгах: La Mise en scène du drame Wagnérien 9.0065 или Постановка вагнеровской драмы и L’Oeuvre d’art vivant (1921) или Живое произведение искусства . (Адольф) (1895)

Американка по имени Джин Розенталь создала должность «художника по свету» в театральном мире. До ее карьеры в 1950-х годах спектакль зажигал либо главный электрик, либо художник по декорациям. После ее интегральных проектов в танцевальной труппе Марты Грэм и на Бродвее к производственному персоналу была добавлена ​​​​должность художника по свету. Сегодня многие дизайнеры приписывают ей определенные методы освещения и с любовью называют ее Матерью сценического освещения. (дикий)

Пьесы норвежского драматурга Генрика Ибсена были впервые переведены и поставлены в Англии в Лондоне в 1888 году. Его поразительная реалистическая драма положила начало современной британской драматургии. «Его… серьезная драма, основанная на моральных и социальных проблемах, висела над тем, что было названо «театром меньшинств [«Английский вне Бродвея]»» (Смарт). Ибсен и француз Андре Антуан положили начало эре натуралистической драмы, которая позже проникла в Англию через писателей в начале 20 века.

В Германии после франко-прусской войны Георг II, герцог Саксен-Майнингенский, стал первым современным режиссером. Ему так нравились пьесы, что он построил сцену, нанял актеров, написал сценарии и (поскольку он финансировал это) говорил всем, что они должны делать. Его постановки в конечном итоге превратились в Meiningen Ensemble, и он много гастролировал по Европе и Англии, глубоко изменив образ мышления актера / режиссера, менеджера / режиссера или писателя / режиссера прошлого.

В России Константин Станиславский объединил идеи герцога Саксенского Майнингена и Андре Антуана в Метод Станиславского. Станиславский привнес в западный мир восточную веру в преданность делу (некоторые японские актеры тратят 30 лет на развитие своего ремесла (Worthen)). Метод Станиславского утверждает, что главная цель актера — заставить поверить. Это говорит актеру, что он или она должны использовать свои собственные воспоминания, чтобы вызвать эмоции. Западный мир принял эту точку зрения и использовал этот метод для обучения своих актеров многих актеров-реалистов 20-го века, хотя ближе к 19-му векуВ 90-е годы этот метод вышел из моды. (Американец, Савоски)

Антонен Арто был современником Сэмюэля Беккета. Он создал то, что известно как Театр Жестокости.

• Дж. М. Барри
• Сэмюэл Беккет
• Кэрил Черчилль
• Ноэль Кауард
• Брайан Фрил
• Джон Голсуорси
• У. Сомерсет Моэм
• Шон О’Кейси
• Гарольд Пинтер
• Питер Шаффер
• Джордж Бернард Шоу
• Том Стоппард
• Джон Миллингтон Синг
• Уильям Б. Йейтс

Назад в двадцатый век

---

Ссылки

• Культурная роль и ценность аббатства. Аббатский театр. Веб. 15 мая 2010 г.
• «Адольф Аппиа». Британская энциклопедия. 2010. Британская энциклопедия онлайн. 17 мая. 2010 г. .
• «Американ Мастерс. Константин Станиславский». ПБС. Веб. 16 мая 2010 г. .
• Баллард, Джеймс. «Независимое театральное движение в Европе и влияние Генрика Ибсена». Дисс. Веб. 15 мая 2010 г. .
• Барнет, Сильван, Мортон Берман и Уильям Берто. «Новая форма в театре». Виды драмы: пьесы и эссе. Бостон: Литтл, Браун, 19 лет.81. 776-779. Распечатать.
• Чотия, Джин. «Английская драма раннего Нового времени, 1890–1940». Лондон: Лонгман, 1996. Печать.
• Гринблатт, Стивен и М. Х. Абрамс. «Драма двадцатого века». Антология английской литературы Нортона. Нью-Йорк: WW Нортон, 2006. 1843–847. Распечатать.
• Якобус, Ли А. «Расцвет реализма». Бедфордское введение в драму. Бостон: Бедфорд Св. Мартина, 1993. 801–808. Распечатать.
• Клаус, Карл Х., Мириам Гилберт и Брэдфорд С. Филд. «Современный / Современный театр». Этапы драмы: от классического до современного театра. Бостон: Бедфорд/Сент. Мартина, 19 лет99. 507+.
• Маркус, Том и Линда Сарвер. Еще одно открытие, еще один спектакль: живое знакомство с театром. Бостон, Массачусетс: McGraw-Hill, 2005. Печать.
• Михаэлидис, Крис. «Хронология европейского авангарда, 1900-1937 гг.». www.bl.uk/breakingtherules . Декабрь 2007 г. Интернет. 10 июня 2011 г. .
• Мораш, Крис. «Вавилон, 1972 — 2000». История ирландского театра, 1601–2000 гг. Кембридж: Кембриджский университет, 2002. 242–71.
• Савоски, Первиз. «Рост и методология системы Станиславского». 2-е изд. Веб. 16 мая 2010 г. .
• Смарт, Джон. «Британская драма двадцатого века». магазин Университет Делавэра, 2001. Интернет. 15 мая 2010 г.
• «театр». Британская энциклопедия. 2010. Британская энциклопедия онлайн. 17 мая. 2010 г. /theatre>.
• Уортен, Уильям Б. «Глава 1-9». Антология драмы Уодсворта. 5-е изд. Бостон, Массачусетс: Томсон/Уодсворт, 2007. 1–100. Распечатать.
• Бандху, Каламбур. «Что такое «авангардный» театр? Styles Of Plays (Бродвейский продюсер)». Видеокувшин – Получай удовольствие от жизни. Лучшие в мире видеоролики с инструкциями, а также бесплатные советы экспертов и учебные пособия. Бродвейский продюсер, 2006. Интернет. 10 июня 2011 г. .
• «Театр Вест-Энда между войнами — Музей Виктории и Альберта». Вест-Энд Театр между войнами . Домашняя страница Виктории и Альберта — Музей Виктории и Альберта. Веб. 30 ноября 2011 г. .
• Дикий, Ларри. «Жан Розенталь 1912-1969». Жан Розенталь 1912-1969 . Северный государственный университет, 18 октября 2011 г. Интернет. 30 ноября 2011 г. .

Авторы

Карен Билотти, Джесс Халперн, Мэтт МакКлюр, Мэллори Слэйд

Мелодрама: определения и примеры | Литературные термины

I. Что такое мелодрама?

В литературе и театре мелодрама (/ˈmel·əˌdrɑ·mə/) — произведение с преувеличенными, сенсационными событиями и персонажами. Он очень эмоционален, фокусируясь на захватывающих, но чрезмерных ситуациях, которые призваны стимулировать эмоциональную реакцию аудитории. Сильная характеристика не является чертой мелодрамы; скорее, персонажам назначаются стереотипные или простые роли, часто в ситуациях «добро против зла». Жанр дал жизнь широко используемому термину мелодраматичный используется для описания чего-то слишком драматичного или эмоционального. Например, если ваша подруга истерически плакала из-за того, что сломала свои новые солнцезащитные очки, вы, вероятно, сказали бы ей, что она «мелодраматична».

Термин изначально возник из комбинации греческого melo s, что означает «песня», и французского drame , что означает «драма», что означает его присутствие в театре. Первоначально они были своего рода музыкальным театром, в котором на сцене сочетались речь и песня. Они были особенно популярны в викторианскую эпоху, читатели которой наслаждались сенсационными персонажами и сюжетными линиями. В современных средствах массовой информации мелодрама не музыкальна, но ее цель остается той же, что и всегда — взбудоражить эмоции своей аудитории.

 

II. Пример мелодрамы

Прочтите следующую короткую сценку:

Верхний этаж дома горел, а нижний затопляло. Собака лаяла от ужаса, а языки пламени приближались к нему все ближе и ближе. Ее муж лежал без сознания рядом с клеткой с собакой, на нем лежала тяжелая деревянная балка, которая упала, когда он пошел спасать собаку. В одной руке женщина держала сына, в другой — дочь — новорожденных близнецов. Единственным выходом было плыть, а она не могла этого сделать с двумя беспомощными детьми — ей придется бросить одного.

10 минут спустя…

Женщина лежала, рыдая, на вершине холма, прижав ребенка к груди, и смотрела, как гаснет пламя в ее доме, когда река полностью поглотила окрестности. В этот момент она услышала шорох позади себя. Она обернулась, и из кустов выбежала ее собака, а за ней ее муж, держа на руках их сына.

Сцена выше — классический пример мелодрамы — ситуация настолько экстремальна и трагична для главной героини, что зрители не могут не чувствовать ее великую печаль, доводя ее до слез. Затем, несмотря ни на что, почти вся трагедия переворачивается и происходит наилучший возможный исход, вызывая у читателя совершенно новый набор эмоций.

 

III. Важность мелодрамы

Мелодрама важна из-за ее глубокого воздействия на аудиторию — зрители любят драму, и мелодрама дает его в изобилии. Однако сегодня мелодраму иногда критикуют за ее нереалистичный, а иногда и смехотворный уровень драматизма. На самом деле, многие сказали бы, что современные мыльные оперы и реалити-шоу — менее уважаемые жанры телевидения, которые в значительной степени полагаются на чрезмерную драму — произошли от традиционного жанра мелодрамы. Несмотря на это, мелодрама по-прежнему относительно популярна в современных средствах массовой информации, потому что она никогда не перестает развлекать.

 

IV. Примеры мелодрамы в литературе

Пример 1

В Серия несчастных случаев трое детей раз за разом сталкиваются с большими несчастьями и неудачами. Бодлеровские дети-сироты после смерти родителей неоднократно и против своей воли попадают в опасные, нестабильные ситуации, из которых едва избегают. Во введении к первой книге серии Плохое начало , рассказчик Сникет предупреждает читателей:

Вступление Сникета показывает, что детская история не будет сказкой. Скорее, как следует из названия, это будет «череда несчастных случаев», которые случаются с ними снова и снова. Истории будут настолько мелодраматическими, что в них даже не будет счастливого конца — Бодлеры каким-то образом переживают кризис за кризисом, только чтобы с каждым разом встречать новые трагедии и несчастья.

Пример 2

Пьеса Жана Жака Руссо « Пигмалион » — один из самых влиятельных образцов мелодрамы. Это адаптация классического греческого мифа, повествующего о скульптуре Пигмалионе, который влюбляется в собственную статую, которая со временем оживает. Работа Руссо сочетала музыку и произнесенное на сцене слово, чтобы усилить эмоциональный опыт публики. Руссо спроектировал свое произведение так, чтобы самые сильные эмоции его главного героя Пигмалиона выражались глубоко трогательной музыкой, а не речью. Хотя пьеса Руссо сейчас редко ставится, она была одним из первых образцов мелодрамы и сыграла очень влиятельную роль в развитии жанра. Ниже представлена ​​знаменитая гравюра с изображением Пигмалиона и его статуи Галатеи, созданная для произведения Руссо французским художником Жаном Мишелем Моро.

 

V. Примеры в поп-культуре

Пример 1

В Сезоне 2 Эпизоде ​​17 интерн-хирург Мередит Грей держит в руке бомбу внутри тела мужчины, и она собирается передать ее офицеру саперов, который был рядом с ней…

Анатомия Грея — Бомба Эпизод знай это» сезон 2

Посмотреть это видео на YouTube

«Анатомия страсти » — это современная мелодрама. Крайне маловероятная ситуация, подобная той, что в клипе, — почти повседневное явление в сериале. Времена, когда врачи и интерны сталкиваются с обстоятельствами жизни и смерти и душераздирающими потерями, нереально часты. Но намерение шоу не в том, чтобы быть реалистичным — это сверхэмоциональные люди и захватывающие действия, которые возвращают зрителей на протяжении 11 сезонов.

Пример 2

Комедийный сериал «Луи» известен своим мелодраматическим изображением жизни главного героя (Луи). В отличие от большинства представителей этого жанра, Луи иногда использует мелодраму для создания юмора. Он чрезмерно драматизирует обычные повседневные ситуации, чтобы рассмешить публику. В 4-м сезоне 1-й серии показано, как Луи просыпается от шума мусоровозов:

Луи Си Кей: мусорщики

Посмотреть это видео на YouTube

Все, что происходит в этой сцене, является преувеличенным изображением реальности Луи. Он показывает, как вещи кажутся Луи, а не каковы они на самом деле; обычная схема в сериале. Следующий клип показывает Луи на неудачном свидании:

Сцена с вертолетом Луи

Посмотреть это видео на YouTube

Вот еще одно преувеличение действия шоу. Мы видим, как Луи пытается поцеловать свою девушку, она отстраняется, и вдруг появляется вертолет, она бежит к нему и улетает. Нам снова показывают мелодраматическое изображение того, как Луи воспринимает свое свидание.

 

VI. Родственные термины

Драма

Драма — популярный жанр литературы, театра, кино и телевидения, в котором основное внимание уделяется серьезным человеческим эмоциям и конфликтам. Это обычно считается противоположностью комедии. Мелодрама — это преувеличенная версия драмы.

 

VII. Заключение

В заключение, мелодрама – это жанр, который никогда не перестает выполнять свою главную задачу – вызывать сильную эмоциональную реакцию у зрителей.